2026年20個值得關注的底片攝影YouTube頻道

這大概是我最喜歡的YouTube頻道了。Romping Bronco由Alexander King經營，他在美國某處開了一家相機維修店，頻道內容涵蓋類比攝影社群的新聞、底片測試，以及維修工作的幕後花絮。

Alexander與眾不同的地方在於他在鏡頭前有多麼真實。沒有什麼隱藏的動機，沒有精心安排的贊助，沒有「本集由某某品牌贊助」的感覺。只有誠實的觀點、冷面幽默，偶爾來點存在主義式的感嘆。那種諷刺是真的，熱情也是。

他有個每週新聞的固定單元，涵蓋新底片發售、器材公告，以及值得認識的新企劃。如果類比攝影圈發生了什麼事，Alexander大概早就聊過了。這已經成為我掌握業界動態的首選方式，不用淹沒在一堆RSS訂閱裡。

但我最喜歡的集數，是他帶著某台器材跑到一個完全隨機的地方，穿著一套讓人滿頭問號的服裝，測試相機，然後靜靜思考人生。聽起來很奇怪。確實很奇怪。但效果絕佳。

Alexander從早期就開始支持Frames，我可以以親身經驗告訴你，你在螢幕上看到的慷慨是貨真價實的。除了YouTube之外，他也透過線上商店販售自己親手維修過的相機，以及維修服務，一切都可以在他的網站上找到。

去看看Romping Bronco YouTube頻道，或者在Instagram上追蹤他，跟上他的最新動態。

完全不同的風格，但幽默感跟Alexander相去不遠——Grainydays是Jason Kummerfeldt的頻道。他曾在好萊塢電影產業工作多年，後來轉向他真正的熱情：類比攝影。你可以在他產出的每一個畫面中感受到那個背景。

畫面這個詞用得恰如其分，因為這裡的製作品質真的是另一個層次。影片的拍攝、色彩、節奏、每一集的結構都像是一部短片而非vlog。然後是那些實際的照片，大多是中片幅，美得令人屏息。很明顯，對這個人來說，「差不多就好」從來不是一個能讓他停下來的地方。

Jason旅行、測試相機，帶你一起上路的方式既私密又不會讓人覺得自我沉溺。幽默是冷面的，故事很有趣，諷刺恰到好處——如果你跟我一樣吃這套的話。

但我覺得最有價值的是他對創作者艱難面的坦誠。他公開談論懷疑、創作瓶頸，以及你想像中的作品與實際產出之間的落差。從一個作品水準如此之高的人口中聽到這些，反而有種奇妙的安慰感。這提醒了我們，對自己作品的不滿並不代表你哪裡出了問題，那只是這條路的一部分。

去看看Grainydays的YouTube頻道，順便在Instagram追蹤他。你不會後悔的。

Keaton，網路上叫Bazooka Mouth，經營Metal Fingers這個頻道，涵蓋了類比攝影的方方面面。氛圍始終很chill，配樂總是恰到好處，而Keaton本身是個才華洋溢的攝影師，作品自己會說話。

跟Alexander一樣，他也有個每週新聞的固定單元，涵蓋新器材、底片和社群企劃。有他們兩個，要掌握類比攝影圈的動態對我來說幾乎不費吹灰之力，這點我很感激。

但Metal Fingers真正打動我的是旅行內容。Keaton和一群朋友帶著相機探索美國各地，那種氛圍悠閒而富有意境，幾乎帶有冥想般的質感。我透過他的影片發現了一些我幾乎肯定這輩子不會親眼看到的風景，但不知怎的，那感覺不是遺憾，而是一份禮物。

他的作品有很強的懷舊感，那種對照片中真實、永恆質感的追求，與我們很多拍底片的人產生共鳴。他在追逐某種特定的東西，你感受得到。

他也深入分享數位工作流程，從掃描和後期處理到軟體選擇和維護一個完整的照片庫。這類實用內容很容易被忽略，但如果你在乎的是整個流程而不只是按快門那一刻，真的非常有用。

去看看他在Metal Fingers YouTube頻道上的最新影片找找靈感，然後在Instagram追蹤他，跟上他的內容更新。

Daniel Milnor跟這份清單上的其他頻道有些不同。沒有每週新聞單元，沒有在雨中測試相機。你得到的是更緩慢、更深思熟慮的內容，而且以它自己的方式來說，要求也更高。

Milnor是一位美國紀實攝影師、作家和教育工作者，他的職業生涯始於1980年代末，為報紙和雜誌拍攝，足跡遍及美國、非洲、亞洲、拉丁美洲和歐洲。

隨著時間推移，他從商業拍攝轉向結合攝影、寫作、聲音和影像的長篇視覺敘事。他的作品被洛杉磯郡立美術館和喬治·伊士曼故居收藏——這樣的註腳會讓你重新思考，當你看一個人在YouTube上談論創作時，那究竟意味著什麼。

他的頻道是他分享對攝影、創作獨立性和整個產業思考的地方。他有鮮明的觀點，而且從不軟化這些觀點。如果你期待的是有人告訴你下一顆鏡頭會改變一切，這裡不適合你。

他也是攝影書最有力的倡導者之一，已自行出版超過一百本自己的作品，並花了多年時間透過Blurb幫助攝影師獨立出版。這種堅持有一種安靜的激進力量。

他的Shifter系列是我個人最愛，而從他的Q&A影片以及他用心回覆每一則留言的方式來看，你能感受到一個真正投入在社群中的人。不只是為了產出內容而分享知識，而是真的在乎其他攝影師是否能成長、找到自己的方向。

去看看他的YouTube頻道或加入他的Discord。特別推薦給那些把攝影視為不只是興趣的人。

如果有一個人可以被形容為底片相機界的乞丐武士（Boba Fett），那就是Bellamy Hunt。他住在日本，經營Japan Camera Hunter，一家專門從世界各地搜羅稀有和收藏級類比相機及鏡頭的線上商店。那種你不知道存在的東西，直到你看到了——然後立刻覺得非買不可。

他的YouTube頻道延續同樣的精神。Camera Geekery系列深入介紹一些你在螢幕上能見到的最稀有器材。如果你已經有器材購買症候群（GAS），先警告你了。他也帶我們去東京的相機店和相機展，那些集數有一種很棒的輕鬆感，隨興、未經腳本、就是看著很開心。

除了頻道之外，Bellamy似乎跟我們其他人運行在不同的時間軸上。他創造了自己的底片JCH StreetPan 400，寫了Film Camera Zen這本書，和Kanto Cameras合作推出了一系列以星際大戰為靈感的限量Leica M機身，還有時間經營他的商店、部落格、頻道和家庭。這到底是激勵人心還是讓人暗暗感到疲憊，取決於你怎麼看自己的待辦清單。

他的網站也值得在商店之外好好探索。「In Your Bag」系列把麥克風交給各行各業的攝影師，讓他們聊聊自己的器材、企劃和工作流程。一個簡單的概念，但持續做得很好。

Bellamy在Frames上線時就給予支持，他本人跟你在網路上感受到的一樣親切慷慨。去看看Japan Camera Hunter YouTube頻道，然後在Instagram追蹤他，看一些你大概買不起但看著很享受的東西。

Matt Day大概是類比YouTube世界裡最接近「一個碰巧把自己拍攝過程錄下來的攝影師」的存在。他住在俄亥俄州，青少年時期因為家庭經歷困難時期而開始拿起相機記錄生活，而那股衝動——私密、安靜、日記般的——從未真正離開過。

他的頻道在需要時會聊器材，但那從來不是重點。很多底片攝影內容以相機和規格領頭，Matt卻以「為什麼」領頭。為什麼你會拿起相機，為什麼你會多年來持續拍攝同樣的題材，為什麼記錄一段平凡的生活可以和任何其他創作計畫一樣有價值。在一個有時感覺像是加長版購物頻道的空間裡，這是一個令人耳目一新的角度。

風格與哲學相匹配。長篇、對話式、剪輯極簡、對疑惑和走錯的路坦誠不諱。這類內容能突破十萬訂閱，靠的不是追逐演算法，而是持之以恆和真誠的觀點。他拍攝自己的家人、周遭環境、俄亥俄的小鎮，相同的場景年復一年地出現。與其說是教學頻道，不如說是一本攝影師的持續日記，而你被邀請一起跟讀。

如果你剛開始接觸底片攝影，他的頻道是最好的入門之一。如果你已經拍了一段時間，它會是一個很好的提醒——提醒你這一切到底是為了什麼。

去看看Matt Day的YouTube，也在Instagram追蹤他。

Negative Influence是Justin Allen主持的podcast，自2025年左右開播以來，悄悄地出現在很多攝影師的播放清單上。概念很簡單：與底片攝影師和創作者進行長篇對話，聊聊今天做作品的真實面貌。這份清單上已經有好幾個人上過節目，其中Jason和Keaton的那幾集非常值得一聽。

標語是「cameras, creativity, and chaos collide」，這其實相當準確地描述了你會聽到的東西。懷疑、倦怠、社群媒體壓力、創作的不穩定性、你想像中的作品和實際做出來的之間的落差。一切都攤在檯面上，沒有人假裝不是這樣。

這些對話感覺不像訪談，更像你剛好在旁邊聽兩個關心同樣事情的人聊天，而且不急著結束。隨性、有時混亂、但始終真誠。那種一集可以播兩個小時你卻渾然不覺的podcast。

如果你曾經質疑過自己為什麼拍照、為誰拍照、或者這一切除了一張好看的照片之外是否還有什麼意義，這個節目會讓你覺得找到了同伴。

Justin之前在podcast上談過Frames，從我們幾次電子郵件往來中，我可以確認他和螢幕上一樣親切友善。Podcast可以在YouTube上收聽，也可以在各大podcast平台找到，你也可以在Instagram追蹤他。

Jonathan Paragas，更廣為人知的名字是King Jvpes，和這份清單上大多數頻道的能量截然不同。很多類比YouTube傾向於沉思和不急不徐的風格，他的內容則是充滿動感、街頭感，而且非常紮根於實際走出去拍照這件事。

這個頻道圍繞著街頭攝影、第一人稱視角拍攝，以及那種難以偽造的即時判斷。你不是在看一個人坐在桌前講解攝影。你是跟著他走過城市，看著拍攝過程即時發生。這帶來了一種不同的學習方式，不那麼著重於吸收資訊，而是更多地培養直覺。

他在底片與數位的辯論上也是令人耳目一新地不教條，而在這個社群的某些角落，這場辯論感覺幾乎像是一種全職信仰。他的立場基本上是，這種分歧大多是攝影師自己製造出來的，這是一個合理的觀點，也讓內容專注在真正重要的事情上：拍出好照片。

剪輯比大多數類比創作者更俐落，節奏也更快，反映了新一代YouTuber的風格，他們讓底片攝影感覺是當下的、社群的，而不純粹是懷舊的。對初學者來說足夠平易近人，但又有足夠的風格和意圖來抓住進階者的注意力。

去YouTube上找King Jvpes，然後在Instagram追蹤他。

如果Alexander和Keaton是你每週的類比新聞主播，那Nico Llasera就是在幕後做深度研究的人。他的頻道Nico's Photography Show，佔據著跟這份清單上大多數頻道稍微不同的位置：較少個人敘事，更多的是精心策劃的底片攝影圈動態彙整。

新底片發售、器材公告、價格變動、社群企劃、產業動態。Nico追蹤、篩選，然後以一種更接近編輯精良的媒體平台而非典型YouTube頻道的方式呈現。在大多數創作者以個人特色或美學領頭的空間裡，這種編輯思維既稀有又實用。

從訪談和他的影片中能感受到的是，研究這一面是被認真對待的。這不是一個人在瀏覽標題。內容是經過彙整、思考和結構化的，尊重你作為觀眾的時間。

對於任何想要了解類比攝影圈動態、而不只是靠自己喜歡的攝影師順帶提到的人來說，Nico的頻道填補了一個不太多人持續在做的空缺。把它想成YouTube上的底片攝影新聞編輯室——寫出來聽起來有點乾，但實際上，當你想知道某款底片是停產了還是只是暫時缺貨的時候，這正是你需要的。

值得在YouTube上訂閱。他也在Instagram上，同樣值得追蹤。

Hunter Creates Things稍微跳脫了一般底片攝影頻道的模板，而這正是它有趣的地方。較少器材，較少技術，更多的是對「創作到底意味著什麼」以及「在動力不配合的時候如何持續創作」的探索。

攝影的部分是有的——底片散步、計畫、實驗——但它被當作更廣泛創作實踐的一種表達，而非全部。Hunter傾向於反覆回到的問題不是「我該用什麼相機」，而是「我為什麼要拍這張照片」和「我如何隨著時間保持創作的真誠」。如果你曾經盯著一卷未沖洗的底片，思考自己到底想說什麼，你會對這些問題很有共鳴。

讓這個頻道感覺真實的是，創作的不穩定性沒有被隱藏或粉飾。停滯、興趣轉移、沒能完全成功的計畫，這些都是內容的一部分。這種誠實讓它更像是一本真正的創作日記，而不是精華集錦，而這比想像中更稀有。

節奏比King Jvpes這類頻道更慢、更具反思性，而且是刻意的。這是你想要思考自己創作實踐時才看的頻道，而不是單純消費攝影內容。

如果這份清單上的其他頻道穩穩地站在攝影之內，Hunter的頻道則站在稍微外面往裡看。結果證明，這是一個相當有用的觀察角度。

去看看Hunter Creates Things的YouTube，順便在Instagram追蹤他。

Chris Chu屬於較年輕一代的類比創作者，他的頻道內斂、以情緒驅動，在類比攝影圈中獨樹一幟。沒有炒作，沒有器材癡迷，沒有強力的噱頭。只有一種持續且個人的觀看方式。

內容圍繞街頭攝影、活動和旅行，使用35mm和中片幅拍攝。他坦誠地分享每次拍攝背後的意圖、他的流程，以及哪些設定有效、哪些沒有，這讓頻道具有教育性但完全不像教學。隨著時間累積，它漸漸感覺不像一個YouTube頻道，而更像一個長期的個人檔案。熟悉的地點被重新造訪，風格在影片之間微妙地轉變。你感覺自己在跟隨一個作品集，而不是在看零散的單集。

真正讓我印象深刻的是他如何用底片拍攝運動和現場活動，這是類比攝影中最困難的事情之一，尤其是在街頭。他的籃球、街舞和饒舌對戰影片展現出對嘻哈文化的明顯傾向，而且他以一種超越單純捕捉動態的敘事品質來呈現。他在紐約的街舞影像是我個人最愛，在艱難條件下拍攝，對哪些成功了、哪些沒有坦誠以對。整個頻道的剪輯和配樂選擇也始終很到位，那種你會注意到卻不一定能解釋為什麼好看的東西。

相較於他投入的時間長度，他作品的品質老實說有點嚇人。一個值得密切關注的人。

你可以在YouTube找到Chris Chu，他的Instagram也很值得追蹤。

Kyle McDougall是一位加拿大攝影師，現居英國，他的頻道涵蓋的範圍比類比攝影圈裡幾乎任何人都廣。相機評測、帶著大片幅相機穿越威爾斯和蘇格蘭、暗房沖印、底片掃描工作流程、攝影書製作、創作過程。全都在那裡，而且每一項都被同等用心對待。

他在電影攝影和電視方面的背景是不可能忽略的。製作品質比大多數頻道高出一截，影片感覺結構清晰、有意圖，同時又不失那種你正在跟隨一個人即時摸索自己技藝的感覺。他在2017年一趟為期一年的北美公路旅行中開始了這個頻道，而那種緩慢、有目的的探索精神從未真正離開。

最讓我印象深刻的是他的長期紀實手法。他的攝影集An American Mile，歷時五年製作，記錄了美國西南部的小鎮，那種耐心在這個時代越來越罕見。看著一個人這樣年復一年地投入一個計畫，會讓你重新思考自己的創作在做什麼。同樣的耐心也體現在頻道中，這裡的問題不是「這週有什麼新的」，而是「我到底在試著建立什麼」。

他也經營一個叫Contact Sheet的podcast和一個Substack，當YouTube裝不下他所有的想法時就需要這些了。

他的YouTube頻道是最好的起點，他的Instagram和Spotify上的Contact Sheet podcast也值得你花時間。

我發現Pushing Film是因為Hashem McAdam用的是Leica M測距相機，跟我一樣，而且他評測過不少M接環鏡頭。這是讓我進門的原因。但讓我留下來的是其他一切。這是一個墨爾本的頻道，能量跟這份清單上的大部分明顯不同。不那麼像個人創作者品牌，更像一個碰巧住在YouTube上的社群計畫。那種重點不在主持人，而在對話的頻道。

內容涵蓋廣泛的組合：實用技巧、底片討論、評測、訪談、活動報導、vlog，以及對類比攝影圈的一般評論。看看影片目錄，這種多樣性是真的：在達卡和河內的街頭攝影、暗房沖印、變形鏡頭、掃描工作流程、測光表評測，還有墨爾本和雪梨的聚會。這種廣度意味著無論你是剛拿起第一台相機還是已經拍了好幾年，這個頻道都保持實用。

讓它與眾不同的是它與真實底片社群的連結感。不只是在抽象地談論類比攝影，而是真正連結到場景中正在發生的活動、聚會和對話。光是長篇的「In Conversation」訪談系列就值得你花時間，來賓來自類比攝影圈各個角落，包括Kyle McDougall和許多其他人。

它也令人耳目一新地少了那些佔據大量類比YouTube的器材排名內容。底片攝影在這裡被當作一種活生生的文化而非消費市場來對待，這賦予了它一種更寬廣、更慷慨的感覺。

類比YouTube上最溫暖的角落之一，也是我一直會回來的地方。

去看看Pushing Film的YouTube，然後在Instagram追蹤Hashem。

Kate H00k是一位駐布萊頓的藝術攝影師，她的頻道佔據了類比YouTube中一個非常不同的角落。大多數創作者以相機和底片領頭，Kate則以影像本身和背後的製作過程領頭。她開設頻道是為了分享創意技法和實驗方法，而這個初衷從未真正改變。

她的作品偏向實驗和超現實的方向，尤其在人像攝影方面，而那種藝術敏感度貫穿頻道上的一切。重曝、底片湯、機身內技法、創意濾鏡。這些都不是為了新奇而做。她不依賴後期處理或編輯，一切都在相機內完成，這賦予了她的作品一種難以偽造的堅定和一致性。

她把自己的創作過程描述為以「遊戲」作為創作實踐的根基，聽起來很簡單，但其實很能解釋她頻道的調性。充滿好奇、慷慨大方、從不過分嚴肅，同時仍然產出令人驚艷的作品。

她的故事也值得了解。她在人生中一些最黑暗的時期找到了底片攝影作為慰藉，用觀景窗去尋找她在其他地方找不到的光。這不是背景雜音。這是她的作品擁有那種溫暖和色彩的原因。

我最喜歡Kate頻道的是那種能量。有一種完全屬於她自己的創造力和玩心，而且是會傳染的。你看完會想要去嘗試一些你平常不會嘗試的東西。

去看看Kate H00k的YouTube頻道，然後在Instagram追蹤她。

Parvec是Pablo Maraver的頻道，它佔據了一個在類比攝影圈幾乎沒有其他人在填補的利基：底片攝影作為視覺研究。

頻道的核心是一項長期進行的35mm底片色彩科學深度研究。不是一般「這款偏暖、那款飽和度高」的評論，而是一次結構化的嘗試，去理解為什麼不同的底片會以不同方式呈現色彩、對比和顆粒，以及當你選擇裝什麼底片時，這些差異實際上意味著什麼。這個計畫配有海報、預設和結構化比較，賦予了整件事參考書般的品質。這是那種你不會只看一次就忘記的資源。

讓它不至於枯燥的是，分析性的手法與真正的易讀性並存。一支涵蓋從相機選擇到掃描的完整初學者工作流程影片，做到了預算友善和平易近人，同時不失嚴謹。這個頻道看起來認真地想讓底片攝影的技術面變得可理解，而不是把它當成門檻。

整體呈現方式也有一種設計思維的質感。問題不只是一款底片長什麼樣，而是色彩差異如何被研究、比較和清晰地傳達。這是一種不同於大多數類比YouTube的野心，而且看得出來。

他最新的色彩科學影片讓我嘆為觀止。我無法想像花了多少個小時，而那些自製動畫和圖表視覺化達到了一個你在類比YouTube上根本看不到的水準。這是那種會讓你想要支持一個創作者的作品，單純因為你看得出他有多用心。

Parvec在YouTube上，如果你想看更多同類內容，Pablo在Instagram上也值得追蹤。

Analog Insights是Max Heinrich的頻道，位於慕尼黑，有一種獨特的歐洲氣質，讓它和這份清單上的大部分頻道有所不同。沉穩、深入、視覺上的精緻感更像是經過思考的，而非刻意製造的。

這個頻道最初是Max、Jules和Greg的合作計畫，而那種深思熟慮交流的精神一直定義著它的調性。重點是數位時代的類比攝影，涵蓋器材和底片評測、各種拍攝的學習心得，以及從35mm到中片幅再到4x5的沖片經驗分享。但關鍵在於它怎麼做這些事。這裡的評測經常長達20到35分鐘，而且它們值得那個長度。

讓Analog Insights值得你花時間的是表面之下的深度。「Story Behind The Shoot」系列是一個好例子：它不只是展示成果，而是拆解思考過程、概念，以及導致最終影像的決定。這種以過程為先的手法在一個經常重視成果勝過意圖的空間裡，比你希望的還要少見。

Max幾乎完全使用底片工作，即使在數位拍攝時也帶著一種緩慢的類比思維，而這種哲學延伸到了頻道的製作方式。一切看起來都像是在錄製之前就已經值得做了。

那種你打開一支影片，結果看了三支的頻道。如果你想深入而非廣泛，從這裡開始。

去YouTube上找Analog Insights，然後在Instagram追蹤Max。

Cody Mitchell的頻道是我會推薦給任何想要真正提升攝影技術、而不只是消費相關內容的人。很多類比YouTube偏向美學、器材或個人日誌，Cody偏向基本功：曝光、測光、光線，以及真正能改變一張照片的決定。

教學方式直接而高效。像「15分鐘講完9年攝影知識」這樣的影片告訴你一切關於這個頻道的意圖。這不是一個圍繞每週更新或器材炒作建立的頻道，而是圍繞高訊號量的課程，尊重你的時間，並假設你是認真想進步的。

我特別欣賞的是他處理底片與數位問題的方式。他不選邊站，也不把它變成個人標籤。媒材不如攝影師的意圖重要，而他透過實際比較而非意識形態來闡述這個論點。這是一個扎實的觀點，賦予了頻道很大的可信度，也讓他的底片內容感覺真誠而非懷舊。

他的頻道以Codacolor的名稱運營，在各平台上有連貫的識別度，這反映了和內容本身一樣的清晰度。一個從真實經驗而非單純熱情出發的教學者。

如果這份清單上的其他頻道讓你想拿起相機，Cody的會讓你更認真地思考拿起相機之後要做什麼。

他的頻道在YouTube上叫Codacolor，Instagram也很值得追蹤。

Alex Botton的頻道描述就說明了大部分：「Cinematography, lighting, and 35mm film, exploring the craft behind great images.」這跟大多數類比YouTube的角度不同，而且體現在他做的每一件作品上。

他帶著職業攝影師的思維來看攝影，這意味著對話傾向於光線、氛圍和視覺意圖，而非哪款底片在流行或下一台要買什麼相機。這個背景是真實的：除了底片攝影內容，他也涵蓋電影攝影機、紀錄片製作和燈光設置，這讓整個頻道比大多數頻道有更強的製作意識。

他的作品中還有16mm的部分特別突出。一支關於用Krasnogorsk-3拍攝的長片，是那種只有對動態影像充滿熱情的人才會做的內容，也賦予了這個頻道一種純粹靜態攝影師很少能達到的深度。

成果介於教育和創意散文之間。不那麼是「這是怎麼做的」，更多是「這是怎麼想的」，這在一個預設模式是教學和器材排名的空間裡，是一種罕見的表達方式。

我偶然看到他的Krasnogorsk-3影片，結果一口氣看完了。這就是這種頻道。如果你想更認真地思考攝影的視覺面，你會在這裡找到歸屬感。

Alex Botton的YouTube頻道是最好的起點。他的Instagram也值得追蹤。

Nick Carver是一位在南加州工作的攝影師和教學者，他的頻道是當一個人把攝影當作技藝而非內容利基來對待時，最清晰的範例之一。

他的作品根植於美國西南部——沙漠、遼闊的風景、寧靜而氛圍強烈的場景——展現了一個擁有非常明確且成熟視角的攝影師。他對大片幅和全景攝影的熱愛，特別是6x17，讓頻道有一種更緩慢、更開闊的質感，幾乎像是對類比YouTube其他內容的一種反論。當很多創作者在追逐下一個新器材或流行底片時，Nick正在莫哈維沙漠仔細思考光線和構圖，然後才按下快門。

讓我持續回來的是他教學的開放態度。「Photography On Location」系列帶你到現場，走過一張影像背後的實際決定，不是抽象的，而是在真實條件和真實風險下。「Dissecting a Photo」則反向操作，拆解完成的作品來展示是什麼讓它成功。這兩種形式都反映出一個理解展示成果和分享過程之間差異的人。

他也涵蓋了從底片到最終成品的完整弧線，包括藝術微噴、zine製作，甚至自己策劃個展，這賦予了頻道一種大多數攝影創作者永遠達不到的完整性。

他的影片有一種讓你慢下來的能力。看完一支，你會想帶著相機出門，然後真正地用心觀察。這對YouTube來說是一件罕見的事。

他的YouTube頻道非常值得你花時間。Instagram也是，如果你想在動態牆上看到更多他的西南部作品。

Caleb Knueven在堪薩斯州經營Bad Flashes，這個頻道在類比攝影圈中擁有最鮮明的視覺辨識度之一。名字就透露了：直打閃光燈、夜間拍攝、大膽的圖形化光線，以及一種讓他的照片一眼就能認出來的搶眼美學。即使他在白天拍攝或旅行，同樣的視覺張力都在。在一個經常預設柔和色調和溫暖金色光線的空間裡，這是真正的差異化。

讓這個頻道超越視覺風格的，是Caleb如何自然地在個人特色與實用知識之間取得平衡。內容有教育性但不僵硬，他談論底片、相機和實驗的方式讓整件事感覺平易近人且有趣，而非被把守的門檻。無論你是剛接觸底片還是已經深陷其中，那種能量都是一樣的。

他的眼光傾向於有質感的、被忽略的、略帶遺忘感的地方。廢棄建築、頹圮的建築、有個性和歷史的空間。當他的照片出現在你的動態牆上，你會停下滾動。結合閃光燈的運用，創造出一種一眼就認得出、而且看不膩的風格。

他的電影製作背景也讓影片有一種敘事品質，使它們從標準的教學內容中脫穎而出。你感覺到攝影對他來說是更廣泛視覺實踐的一部分，而不只是一個小眾嗜好，這種視角看得出來。

然後還有Mamiyamigos，他和Grainydays的Jason共同主持的podcast，絕對必聽。兩個有鮮明觀點、真正化學反應和很多話想說的人聊底片攝影。強烈推薦。

訂閱Bad Flashes的YouTube，然後在Instagram追蹤Caleb，看看你在類比攝影圈不常見到的那種照片。

二十個頻道，每一個我都真心喜歡。有些我追蹤多年，有些是最近才發現，然後立刻好奇它們之前到底藏在哪裡。它們的共同點是，讓底片攝影感覺令人興奮、值得學習、值得持續投入。

我最喜歡這份清單的一點是每個頻道有多麼不同。格式、美學、優先順序、個性、地區。拍底片沒有單一的方式，拍底片的人也沒有單一的類型。這二十個頻道是對這一點相當好的映照。

如果你找到一個對味的，從過往影片開始看。那裡通常藏著真正的寶藏。如果你覺得有什麼頻道應該在這份清單上，我真的很想知道。